西方古典音乐和中国古乐的比较

西方古典音乐和中国古乐的比较

　　中西音乐来说，一是展示方式不同;二是“调式”和“调性”的差异。以下是小编为大家收集的西方古典音乐和中国古乐的比较，欢迎大家借鉴与参考，希望对大家有所帮助。

　　中VS西

　　关于音乐结构问题。音乐结构和其它艺术的结构是不一样的，它是在一个时间过程中展示的，但是就中西音乐来说，一是展示方式不同;二是“调式”和“调性”的差异。“调”是指音和音之间的关系，构成音列的基本的特征。中西音乐都十分讲究，也是音乐创作的重要概念。“和声”指多个声音同时发响，“和声”作为西方音乐思维来说，它是一个非常重要的方式，假如没有“和声”思维，西方很多音乐的价值就比较弱，但对中国音乐而言则不同。“复调”是相对旋律来说的，旋律就是单声部，“复调”就是两个或者两个以上的旋律同时进行，构成了多声部的一种方式。

　　中西音乐结构比较，“曲式结构”的差异。西方音乐结构强调逻辑性，它是建立在对立统一的系中，所以西方音乐富有哲理。中国音乐是一种散体性结构，它不追求内在张力，而是更多考虑是一种自然的融入，主要利用多段连缀原则，表现一种自然的流露。欧洲音乐“曲式结构”的特点。在欧洲音乐中，最高的曲式形式就是“奏鸣曲式”。如何衡量这部作品是否构成交响乐这个概念、这个体裁，最重要的就是要有一个乐章是要用“奏鸣曲式”来写。“奏鸣曲式”结构原则是对立统一，建立在矛盾的提出、矛盾的激化和矛盾的解决这样一个变化过程当中，所以这样一种结构就比较容易体现一种戏剧性、哲理性。西方“奏鸣曲式”的逻辑性主要体现在：第一就是呈示部，呈示部里头有两个主要主题，一个主题是主部主题，一个是副部主题。这两个主题，必须要建立在对比的基础之上，是一个对立性的主题，包括材料对比，比如柴可夫斯基《第六“悲怆”交响乐》第一乐章，它的主部主题是焦躁、不安，它的副部主题抒情的，显然两个主题形成材料的对比。调性”对比。比如主部建立在某一调上，副部必然是建立在另一调上，形形对比与矛盾，展开部利用呈示部所提出的矛盾通过转调的手法使这对矛盾激化。利用再现部，把主部和副部的“调性”进行统一。所以对立统一的音乐发展逻辑，是“奏鸣曲式”的结构原则。

　　西方音乐“回旋曲结构”，从曲式结构图示可以看出，A—B—A—C—A—D—A—，不断变化，永远是围绕，环绕着A这个主题在进行，这个结构原则有对比也有统一。比如莫扎特《钢琴回旋曲》A部是主题，是完整的一个乐段。这是B，变化，再回到A段，但质体不一样，发生微妙变化，再次回到A。可以看出“回旋曲式”，它是通过各段变化与主题不变的关系体，现出一种对立统一。

　　西方音乐“变奏曲结构”，体现作曲家才能的结构形式。所以在西方音乐史上，音乐大家都写过“变奏曲”，贝多芬32首变奏曲，把一个主题做32次变化，可见作曲技术是非常高超的。比如莫扎特的变奏曲，“变奏曲”有一个特点，每一个变奏都是完整的终止，有种结束感。变奏一，大家听高音在跑动，但它的核心音低声是一样的。变奏二，“变奏曲式”是在核心音调或者核心特征不变的情况下进行发展与变化，体现对立统一。

　　中国音乐是散体性结构，线性结构，多段连缀体结构”，图示是A、B、C、D、E、F。比如《十面埋伏》古曲，琵琶曲，都有标题，几段都是不一样的每段有独立的音乐方式，通过音乐之间关联，这种关联不是逻辑关联，而是靠结构来进行整合的，用情感的发展变化来达到统一。

　　关于调式和调性的差异问题。中国音乐强调调式变化，比如中国是“五声调式”，“宫调式”，123456;“商调式”，以2为主音，“角调式”以3为主音，“徵调式”以5为主音，“羽调式”以6为主音。中国音乐是建立在“调式”的变化，即宫调变化的基础上来进行发展的，强调横向关系，利用音顺与主次变化来体音高关系。西方音乐强调“调性”变化，“调性”是“调式”音高变化。比如同是C大调、C大调上方5度是G大调，下方5度是F大调。这种转调的方式是西方音乐发展的重要手段。

　　关于“和声”问题。“和声”就是几个音同时发出，强调音与音之间的关系。纵向和横向关系。就是几个声音同时发声。西方对“和声”学的研究早在十七、十八世纪，“和声”学是音响科学和音乐审美体验一种结合。西方音乐如果缺了“和声”，其生命力和存在的价值就要弱很多。所以西方音乐即便是一首歌曲，都有丰富的“和声”，比如钢琴就十分注重横向“和声”的变化。比如贝多芬《悲怆》奏鸣曲的第一乐章的引子。

　　中国音乐总体上看是“单声结构”，但也有多音表现，这种表现缺乏功能性，没有“和声”体系在支撑，是一种自然的多声结合。民乐中的笙、古筝等，虽有很多声音一起发响，但是这种“和声”仅仅是一种陪衬，没有“和声”的紧张力度，它不需要去解决和变化。

　　关于复调问题。“复调”就是多声部的概念，也就是几个声部同时进行，中西“复调”也是有很大变化。在西方音乐中，“复调”音乐展开的生命力和生命线。交响乐的高潮往往是出现在多声部，即赋格，就是赋调音乐的最高形式赋格曲，就是音和音之间的追赶。就是各自独立的旋律同时进行，是西方音乐结构的重要特征。中国音乐从总体上看是单声部，中国的音乐思维是线性思维，多种乐器合奏也有，比如《江南丝竹》等，但是这种合奏往往是相同的旋律做一些细微的加花变化，叫做“支声复调”，所以中国传统的“复调”概念就叫“支声复调”。欧洲“复调”大师巴赫是最有影响力。

　　关于音乐观念差异问题。从体裁上看，西方有大量的无标题音乐，绝对音乐和纯音乐。西方交响乐、协奏曲、奏鸣曲、组曲、变奏曲等本身就是作品的名称，所以在西方音乐当中存在着许许多多脱离具体作品标题的一种题材。在十九世纪浪漫派标题音乐出现之前，绝大多数的音乐都是纯器乐。

　　中国音乐则不同，从古至今，绝大多数音乐它都带有文学性标题。如古琴的古谱，都有题解、文字标明、标示，标题，《高山流水》、《寒鸦戏水》。以自娱性为主，修身养性。中国乐器没有形成纯音乐的题材，所以和西方的纯音乐的概念是不一样的。

　　关于音乐审美问题。中国音乐在审美上的特点：一是以线性思维为主的音乐审美形态。中国古代移宫转调理论非常发达，但是没有形成系统的作曲理论，中国音乐多以旋律表现为主，即便是“复调”多声部，它也是“支声复调”，缺少多种声部的结构。以线为基础的立体化，是一种平行结构，如《潮州音乐》，巴赫的《三部创意曲》，每个声部在交叉的进行，各自独立。中国的音乐经验多于科学。中国古代的作曲家，不是依靠技术去做，理论去写，而是凭经验，直观多于逻辑。不是靠音和音之间的关系、结构来构成音乐，而是一种自然的流露，人的自然之情的表露多于科学的总结，讲究的是一种人文

　　二是中国音乐体现一种“重情”、“重心”和虚的意境，琵琶、古筝、三弦、柳琴、阮，大阮、中阮、小阮等，很有特色，音和音之间似乎是不连贯的，在音和音之间留有距离和空间，让你去想象、去体验，需要用心去感受、去填补那种真实的音响的空白。

　　从审美意义上说，中国音乐体现出儒家的审美理想，美和善的统一，礼乐思想，就是把礼和乐结合起来，把道德规范的东西和艺术、文化结合在一起。比如春秋战国时期的《诗经》、《楚辞》，汉代的《相和歌》，唐代的《曲子》、《变文》，宋代的《词曲》，元代的《说唱》、《戏曲》，明清的民间歌曲、《说唱》和《戏曲》，中国近现代音乐史几乎是一部歌曲史。中国器乐音乐确实缺乏独立性，更多是一种象征、隐喻表现，比如《梅花三弄》，是一部古琴曲，以梅花抗严寒、傲风雪的性格来比喻人的性格高尚和纯洁。嵇康的《酒狂》，借对《酒狂》的表现来暗喻当时文人的一种品格。

　　道家的观念对中国传统音乐的发展也产生很大影响：一是体现在物我同一、情景相即的审美追求。中国古曲当中，90%以上的标题都是自然标题，《高山流水》、《月儿高》、《海青拿天鹅》等;二是体现一种独白自娱的境界。中国传统音乐的审美特征，实际上体现种儒道合一人文精神。强调人的情感，人的情感自然流露，强调心的艺术，它不是通过科学方式来建构音乐，而是通过人的感情需要结构空间来发展的。音乐是心灵的语言

　　中国音乐从思维方式来看。中国传统音乐确实缺少科学的思维，在科学技术飞速发展的信息时代，确实具有一定的局限性。要用古琴去表现信息社会的快节奏那就显得很难，如何变化，仅从中国文化中进行近亲繁殖也是很危险的。所以，中国传统音乐，必须要吸取西方传统的和当代的以及其他民族精华，不断来完善自己。中国弦乐在西洋管弦乐队中，往往是充当一种色彩乐器。

　　每一个人应该去欣赏多样化的音乐，去感受不同的世界。音乐的本质是通过声音能表达一种艺术，是情感艺术，但其形式交不是情感，而是如何渲染一种情感，把人带进音乐里去，但在音乐构成中，中西音乐表现是不同的。西方音乐中科学含量是很多的，结构也是复杂的。比方说很多业余作曲家写歌曲，但要写一部交响乐，或者写一部钢琴作品，是不可能的。“和声学”技术理论，是音响科学和审美经验的结合，没有审美经验，也是不行的，一方面要运用技术，按照它的原理;其次要创新。

　　庄子把声分为三类，有人籁、地籁和天籁之音。可以听得懂风声和雨声，也可以听得懂山崩和海啸，但对音乐来说，听到一音乐在演奏，不同的人会浮现不同的场景。庄子关于音乐的最经典的一个观念就是大音希声，认为真正好的音乐是没有声音的。这是指真正的音乐是与人心共鸣的，存在于心。现代音乐先锋派作曲家约翰-凯奇，写了一部作品《4分33秒》，是一种新的美学追求，此时无声胜有声。假如和中国哲学“道”结合起来，可能是跟庄子的大音希声是有关的。不要做作曲家和演奏家的奴隶，在4分33秒的过程中，自己去捕捉各种声响，包括现场的各种声音和各自内心所感受到的，心里所听到的声音。所以庄子他所谓大音希声，实际上是体现一种追求。所谓天籁、地籁，天、地实际上，也就是音乐在天地之间，靠人的心灵去感受音乐，是最伟大的音乐。

　　扩展资料：

　　西方部分

　　一、西方音乐的起源：

　　西方音乐起源于古希腊;但由于古希腊的音乐史料流传下来的较少，人们便把中世纪作为研究西方音乐的一个重要起点;所以可以说中世纪前期的西方音乐就是基督教音乐。而罗马教皇格列高利一世所编写的格列高利圣咏(Gregorian Chant)，使得宗教音乐与整个西方音乐的发展连系得更加的紧密。

　　二、西方音乐的发展阶段：

　　从17世纪初的巴洛克音乐开始到现在，西方音乐的发展大致经历了巴洛克音乐时期，古典音乐时期，浪漫主义音乐时期，民族音乐时期，印象主义音乐时期，新音乐时期以及现代音乐时期风几个阶段。而每一个时期都有其各自的风格特点，所以每一个时期的音乐都可称为当时所流行的一种音乐流派。

　　三、西方传统音乐的特征：

　　所谓的西方传统音乐既是：巴赫至贝多芬之间的古典音乐时期。被称为“复调音乐之父”的巴赫、“交响乐之父”的海顿、“音乐神童”莫扎特以及贝多芬就是这一时期的杰出代表。

　　这一时期的音乐风格，是理性化、生活化、程式化，且曲风严谨的。

　　中国部分

　　一、中国音乐的起源：

　　中国音乐有着悠久的历史，其发端于原始人类的生产活动，且与社会经济的发展和各国文化的交流密切相关。中国传统音乐是在以黄河流域为中心的中原音乐和四域音乐以及外国音乐的交流融合之中形成发展起来的。因此，中原音乐、四域音乐、外国音乐是中国传统音乐的三大来源。

　　中原音乐指的是以黄河流域为中心而发展起来的音乐，这是一种以汉族为主体的音乐文化，其中，殷商和西周时期的音乐文化具有代表意义。四域音乐指的是除中原华夏族为主所创造的黄河流域音乐文化以外的中华大地各民族的音乐文化。其中，长江流域、珠江流域等地区，与黄河流域同为中华民族的文化发祥地。中国音乐与外国音乐的交流由来已久。在汉代，伴随着佛教的传入，印度教音乐和天竺乐开始传入中国;隋唐时期，大量外国音乐的输入，不仅带来外国乐曲，而且也引进了乐器、乐律和音阶。

　　二、中国音乐的发展阶段：

　　一、中国音乐的形成期(约公元前21世纪至公元3世纪)，包括从夏、商、西周到春秋、战国、秦汉。这一时期为中国音乐以后的发展奠定了基础，其最具有代表性意义的音乐艺术形式是钟鼓乐队。

　　二、中国音乐的新生期(约公元4世纪至10世纪)，包括从魏、晋、南北朝到隋、唐。中国音乐在这一时期发生显著变化，开创了音乐国际化的新乐风。一方面世界音乐为中国音乐的发展做出了贡献，而另一方面中国音乐也开始走向了世界化。

　　三、中国音乐的整理期(约公元10世纪至19世纪)，包括辽、宋、金、明、清。这一时期的音乐文化与普通的平民阶层保持着密切的关联，呈现出世俗性和社会性的特点。其代表性音乐艺术形式是戏曲艺术及其音乐。

　　三、中国传统音乐的特点：

　　强调旋律和音色是中国音乐突出的特点，而重点又放在每个音符的发音和变音上面。多数乐曲都基于五声调式，或者说五声音阶，但七声调式也作为五声调式的扩充使用。古乐曲基本上都是采用五声调式调式，而七声调式多在北方民间音乐中使用。

　　中西方传统音乐的比较

　　一、中国传统乐的音阶一般是五至七声;而西方传统音乐的音阶却是七至十二声。

　　二、中国传统音乐一般不转调;而西方传统音乐有大量的转调。

　　三、中国传统乐器高音强低音弱，各种乐器的音色不易溶为一团;西方传统乐器高中低音较平衡，大多数乐器的音色可溶为一体。

　　四、中国传统音乐的创作思维一般是“砌砖式”，即越加越高，越加越长;然而西方传统音乐的创作思维却是“细胞分裂式”，即越变越多，越变越长。由此看来，西方传统音乐是已高而不易再高，中国传统音乐是不高而大有机会再高。